El impacto de la guerra civil española despertó en la conciencia de los intelectuales mexicanos la sensación de estar ante el alumbramiento de una nueva etapa en la historia de Occidente. En el tablero español se jugaban los destinos del mundo, y cada movimiento de las piezas en liza venía acompañado de un examen minucioso por parte de la diplomacia, la política, los medios de comunicación y el sistema cultural en su conjunto. Tanto en la opinión pública como en los círculos políticos e intelectuales, el conflicto español generó conjeturas de toda índole, pero un pensamiento común recorría a izquierda y a derecha el espectro ideológico, social y electoral: el porvenir de México resultaba ya inseparable de la realidad española, pues del desenlace de la guerra dependerían en gran medida la deriva socioeconómica y las políticas internas del país. A través de un análisis amplio y detallado de la prensa y de la producción literaria —ensayo, narrativa, poesía, teatro…—, esta investigación aporta una perspectiva exhaustiva e integral de las trincheras intelectuales que dividieron a la sociedad mexicana en un tiempo de enconados debates, de dialécticas feroces, de escribir quemándose los dedos.

Pablo Rosal se encuentra en un selecto grupo de dramaturgos contemporáneos dentro de la escena española. Su obra ha conseguido gran merecimiento de la crítica por su versatilidad que apunta al teatro del absurdo de Samuel Beckett, así como por su discurso irreverente y poético. Esto queda demostrado en estas tres obras, cargadas de comicidad, pero también de una búsqueda por la experimentación formal, por la ruptura con viejas tradiciones. La temática que abordan estas obras es la incomunicación, la falta de aquello que nos hace más humanos. Estos personajes, a través de un monólogo (El profesor no ha venido), de una conversación cargada de silencios e interrupciones (Los que hablan), o de unos diálogos contenidos y ocultos (El festín de los apartes), representan los conflictos más comunes que atraviesa nuestra época. A través de su dramaturgia, Pablo Rosal desnuda al ser humano, mostrándolo frágil, desesperado, silente, tratando de hallar un significado a la palabra no dicha que le permita encontrar su verdadera identidad.
«[Pablo Rosal] abraza ese humor blanco que no se ríe de nadie, propio de los clásicos del cine mudo, humor que ni es sátira ni burla ni drama, sino una mezcla de arte clown, poesía y tontería basado aquí en el estudio de la mecánica del lenguaje». Liz Perales, El Cultural «Los que hablan es un espectáculo en el que Samuel Beckett habla en español». ABC de Sevilla «El primer texto es un ritual; el segundo, una búsqueda; y el tercero, una escucha, y en los tres rezuma el sabernos en una encrucijada, de lo humano frente a lo humano». Pablo Rosal

La palabra «leyenda» tiene dos acepciones: una, la cartográfica, que explica los símbolos del mapa; y la otra, la literaria o escrita, que surge del propio mapa y alimenta la fantasía de quien lo contempla y hace volar su imaginación. A estas leyendas, las literarias, se acoge el autor para realizar un recorrido por la historia de los mapas, desde los primeros que se dibujaron, los ideogramas de petroglifos y de tablillas de barro o papiros de la antigüedad, hasta los detallados e interactivos del Google Maps de hoy.
En la primera parte de este libro, Pedro García Martín realiza un recorrido cronológico y a la vez espacial por la historia de los mapas y su interpretación filosófica y cultural. En la segunda parte, se focaliza en la iconografía, esto es, en los códigos de los mapas (títulos, colores, alegorías). Finalmente, la tercera parte está dedicada a tres asuntos que siempre han estado relacionados: mapas, literatura y viajes. Dentro de cada una de esas tres partes, la oferta que se realiza al lector es tan variada y extensa que nadie quedará decepcionado.

Giulia Toffana fue acusada en 1659 por el Tribunal del Santo Oficio de preparar y distribuir entre las mujeres romanas un veneno indetectable. Más de 600 hombres fueron asesinados a manos de sus esposas gracias a él. En una época donde las mujeres carecían de voluntad propia, este veneno les sirvió para redirigir el destino predispuesto por sus familias a través de matrimonios concertados y opresivos. Entonces, ¿era Giulia Toffana una justiciera?, ¿una bruja?, ¿una asesina serial?, ¿una psicópata? Vanessa Montfort nos muestra el juicio de este personaje histórico, así como de su hija y de su ayudante, en una obra que reflexiona no solo sobre el papel de la mujer en esa época, sino que nos muestra los límites del amor, las venganzas, los secretos de familia, las luchas de poder y las condiciones del matrimonio.

La obra de Gabriel Calderón está marcada por el humor y la fantasía; sin embargo, en Ana contra la muerte, renuncia al tono irónico habitual para enfocarse en la familia y la muerte. En esta obra, Ana quiere ayudar a su hijo que padece cáncer, pero, como no puede costear los tratamientos que requiere, hará lo impensable para salvarlo de la muerte. El autor nos presenta una historia trágica cargada de amor donde se cuestiona el sentido de la vida y la muerte, la arbitrariedad de la justicia, las consecuencias de las diferencias sociales y los límites del amor maternal. «A mí no, a mí no me alcanza. Deberíamos vivir más. Y no estoy pidiendo la inmortalidad, no necesito tanto, pero tener que elegir entre ser inmortal y esta miseria de años que se nos da me parece muy poco. Yo no quiero la eternidad, pero pretendo más de la vida, quiero otra vuelta en esta calesita. Todavía no entiendo de qué va la cosa. Yo entiendo que todos se conformen, que digan es así, que es como es, pero yo estoy podrida de que sea así. No me resigno. No me conformo». Ana contra la muerte
«Ana se levanta en la escritura de Calderón como un símbolo que ha alcanzado la altura de personajes tales como Mariana Pineda, trascendiendo el hecho específico para complejizar los límites del comportamiento humano». Roxana Rügnitz, La diaria «Me resulta imposible imaginar a alguien salir ileso de esta obra devastadora e imprescindible [...]. Ana es capaz de soportar todo, cualquier cosa, menos la muerte de su hijo». Paula Scorza, El observador «Nos enfrentamos a una montaña rusa de emociones que van de la desesperación a la rabia, pasando por la nostalgia y la ternura. Un terremoto que no da tregua al espectador». Arturo Padrón, MardTeatro

Los mecanismos de censura específicos de la RDA fueron el marco condicionante de una literatura audaz y comprometida, que se nutría en buena medida de la tensión con su contexto. La República Democrática Alemana (RDA), el efímero país nacido de la partición del Reich tras la Segunda Guerra Mundial, ha quedado en el imaginario colectivo como un ejemplo de censura política y social. Ahora bien, el presente ensayo se centrará en analizar la práctica de esa censura en el ámbito de la literatura de ficción y cómo esta se desenvolvió bajo tales condiciones. Ibon Zubiaur reconstruye la historia de este sistema político y la complementa con la visión de los protagonistas a través de sus cartas, diarios y memorias. Además de un certero análisis histórico del surgimiento, consolidación y final del sistema de censura, selecciona y analiza algunas novelas ?de autores como Fritz Rudolf Fries, Alfred Wellm, Stefan Heym, Brigitte Reimann, Volker Braun, Christoph Hein, entre otros? que ilustran la disparidad de suertes que podía correr un libro en esas épocas. Esta investigación busca devolver a los libros el protagonismo que nunca debieron perder. Cómo esos libros se desenvolvieron en un sistema de censura y cómo esto no solo condicionó su recepción, sino también su surgimiento. Frente al prejuicio de que la RDA solo produjo libros monocordes, veremos que la literatura de aquel país se caracterizó justamente por su pluralidad. El resultado fue una literatura muy viva y, sobre todo, receptiva a las tensiones sociales de su entorno.

Los políticos ilustrados decían que intentaban remediar la miseria, pero en realidad estaban manteniendo el sistema que la generaba. Un régimen de injusticia y servilismo que, como indica Tomás Moro en Utopía, se basaba en el argumento de la «pobreza embrutecedora », que deja a los pobres sin «energía para sacudir el yugo». Ese yugo era el orden que exigía represión: mantener siempre la «cuerda tirante», como recomendaba Floridablanca, quien advertía que los pobres «en años de escasez son peligrosísimos». El pobre se convirtió en el último soporte de nobles y criados, de ricos y siervos, de señoras y criadas, de trabajadores que se ofrecían a domicilio a precios de miseria mientras gremios enteros rozaban la pobreza. La caridad era sospechosa, pero pocos se atrevían a revelar que, en realidad, enmascaraba un formidable mecanismo que mantenía legiones de criados a bajo precio, poco más que lo que costaba un esclavo. En este libro, Jacques Soubeyroux reúne las visiones de los historiadores españoles de las dos últimas décadas y también la de Michel Foucault, que influye claramente en su visión de la represión de la pobreza, ofreciendo una tesis que refuerza el enmascaramiento de la violencia social por parte del absolutismo, disfrazado de paternalismo ilustrado. Estamos, pues, ante una obra fundamental que cierra un ciclo historiográfico y plantea un nuevo enfoque sobre un tema crucial en la historia social de España, originado como tantos otros en el siglo olvidado.
«Soubeyroux descubrió muy pronto que Madrid fue el destino final de una auténtica inmigración de la miseria convirtiéndose en el mejor observatorio para comprender por qué ser pobre era una manera de mantener estable el sistema». José Luis Gómez Urdáñez

En una sociedad donde prima el consumismo, la muerte no goza de un debate intelectual-creativo a la altura de su presencia diaria en las noticias, las series, las películas, los videojuegos o las novelas. Escribir o crear sobre algo tan incomprensible como la muerte se convierte casi en una amenaza para dicho sistema de vida al tiempo que somos desensibilizados por su elevada exposición. Aun así, la inquietud y el misterio que la rodean son los leitmotivs más poderosos y recurrentes en la historia del arte europeo, especialmente durante el siglo XX. Germán Piqueras indaga sobre la experiencia de la muerte en la expresión artística. Mediante diarios personales, entrevistas y otros textos, este ensayo describe, casi a modo de relato, la vida de dieciocho artistas ?Edvard Munch, Käthe Kollwitz, Oskar Kokoschka, Charlotte Salomon, Felix Nussbaum, Francis Bacon, Juan Muñoz o Marina Abramovi?, entre otros? para quienes la muerte tiene un significado trascendental. Así, temas como el duelo, la destrucción, la guerra, el cuerpo, la moral y la memoria se abren paso a través de dibujos, pinturas, fotografías, esculturas y performances que nos ayudan a comprender la vida y la historia europeas del siglo XX. «Mi percepción de la muerte me ha ayudado a escribir sobre el sentido de una época en la que desaparece la ilusión en la posibilidad de cambio y donde la idea de muerte se siente como algo definitivo, sin concesiones ni esperanza en la mayoría de los casos. La muerte como fin. Un mundo en el que se pasa de una ferviente fe a la desaparición no ya de la creencia religiosa, sino de la propia fe, en cuestión de pocas décadas». Germán Piqueras

En el presente libro, reunimos tres textos que abordan cada uno un tema específico: el amor, la violencia y la muerte. El autor, uno de los dramaturgos más interesantes del panorama actual, nos vuelve a sorprender con un tipo de escritura que denomina conferencia autoficcional donde se cruzan dos modos discursivos opuestos como son la conferencia y la autoficción. Con estas obras, Sergio Blanco consigue dar otra vuelta de tuerca a su poética con la que está renovando el concepto de teatralidad contemporánea. «A estas tres conferencias autoficcionales las he titulado Confesiones porque en ellas intento develar una palabra íntima que, al hacerse pública, pueda procurar cierto alivio, al menos literario. Y, como en toda confesión, se tratará de que aquello que era indecible pase a ser decible, que aquello que era prelingüístico y que estaba relegado a un silencio profundo pase ahora al dominio del lenguaje».
«Estas confesiones son un caleidoscopio perfecto, una suerte de diario íntimo o novela de aventuras, donde interesan tanto los sucesos argumentales como la reflexión que a partir de ellos se suscita». Abel González Melo
«Sergio Blanco, una de las figuras más complejas e interesantes de la escena europea de hoy en día, mezcla realidad y ficción para transformar el trauma en narración». Renato Palazzi, Il Sole 24 Ore [sobre Memento Mori]
«Sergio Blanco está considerado como uno de los cuatro o cinco dramaturgos mayores de la lengua española en la actualidad». José-Luis García Barrientos

George Orwell se ha convertido en un nombre de referencia mundial en los ámbitos políticos y literarios y su figura no ha dejado de adquirir relevancia incluso fuera de los países anglosajones. Ha conseguido filtrarse en el lenguaje corriente y pasar a la posteridad configurando la vida de las personas sin que se tenga demasiada conciencia de ello. Aunque solemos creer que las obras solo reflejan el periodo en el que fueron escritas, es sorprendente constatar cómo el espíritu de nuestra época está fielmente retratado en novelas como Mil novecientos ochenta y cuatro, Rebelión en la granja o Subir a por aire. Aspectos como la frustración profesional, la presión por el éxito, la inestabilidad emocional o el incesante movimiento tecnológico son frecuentes en las temáticas de la obra de Orwell y en nuestras vidas. En este libro, Oriol Quintana estudia el humanismo orwelliano y reflexiona sobre cómo este nos brinda nuevas formas de pensar la condición del ser humano contemporáneo. En ese sentido, Orwell se presenta con una propuesta humanística que aún tiene mucho que decir sobre los problemas más acuciantes de nuestro tiempo.